Hay suficientes obras maestras modernas en el magnífico MoMA de Nueva York para cautivar a cualquier amante del arte durante horas, o incluso días. Hablamos de unas 200.000 pinturas, grabados, fotos, esculturas y otras obras de diseño y arquitectura que abarcan el posimpresionismo, el cubismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto, el pop art y mucho más. Pero, ¿qué ver si solo tienes una o dos horas? Acompáñanos en este recorrido rápido por las piezas más populares del museo, incluyendo dónde encontrarlas y cómo ir de una obra impactante a otra...
Vale, enséñame los grandes éxitos...
La noche estrellada (Van Gogh, 1889)
La noche estrellada (Van Gogh, 1889)
¿Qué estoy viendo? Nada menos que una de las piezas más estelares e influyentes del arte moderno. La noche estrellada representa la vista de van Gogh desde el asilo de Saint-Rémy-de Provence justo antes del amanecer.
¿Por qué es tan importante? Sus pinceladas densas y dramáticas, cielos arremolinados y colores intensos se combinan para crear un efecto hipnótico. Es el cuadro que ha inspirado millones de pósteres, láminas, tazas y llaveros, pero nada supera la sensación de estar directamente frente a la obra real.
¿Dónde lo encuentro? Dirígete directamente a la planta 5 y comienza tu recorrido con esta belleza celestial en la galería 501.
Qué decir: «Esos tonos oscuros y pinceladas sinuosas captan realmente el turbulento estado mental del artista en aquel momento».
Qué no decir: «Podría hacer esto mismo con el Microsoft Paint en media hora».
Les Demoiselles d’Avignon (Picasso, 1907)
¿Qué estoy viendo? Un clásico del primer Picasso. Este gran óleo —«Las señoritas de Avignon»— se titulaba originalmente «El burdel de Avignon» y representa a cinco prostitutas desnudas con rostros desafiantes, similares a máscaras, en un espacio típicamente fracturado y angular. Si hoy resulta impactante, imagina el efecto que causó en 1907. Alerta de espóiler: a sus amigos no les gustó nada y no se expuso públicamente hasta casi una década después.
¿Por qué es tan importante? Esta obra marcó un punto de inflexión en el arte moderno. La audaz forma y estructura de Picasso destrozaron la perspectiva clásica tradicional, allanando el camino para el cubismo y, bueno, casi todo lo que vino después.
¿Dónde lo encuentro? Es fácil: está justo al lado de La noche estrellada, en la galería 502.
Qué decir: «Se pueden distinguir los primeros indicios del estilo cubista característico de Picasso en algunos de los rostros de las mujeres, especialmente en la pareja de la derecha».
Qué no decir: «¡Menudo cuadro!».
Rueda de bicicleta (Duchamp, 1913)
Rueda de bicicleta (Duchamp, 1913)
¿Qué estoy viendo? La provocadora Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp lleva la eterna pregunta de «¿pero esto es arte?» a su conclusión lógica. Lo que ves es exactamente lo que parece: una rueda de bicicleta montada en el asiento de un taburete. ¿O no? La versión que ves aquí es una reconstrucción posterior de las versiones perdidas de 1913 y 1916-17, lo que en sí mismo juega con la propia noción de originalidad en el arte. Quién iba a decir que una rueda clavada en un taburete plantearía tantos interrogantes.
¿Por qué es tan importante? Rueda de bicicleta fue uno de los «readymades» originales de Duchamp: objetos cotidianos reutilizados con un fin que solo existe en el ojo del espectador. Se considera el ejemplo más antiguo de escultura cinética. Pero, ¿es arte? Es una pregunta que seguirá dando vueltas en tu cabeza mucho después de que hayas pasado a la siguiente sala.
¿Dónde lo encuentro? No muy lejos de las señoritas de Avignon de Picasso, en la galería 505.
Qué decir: «¿Sabías que Duchamp construyó esto para su propio disfrute y nunca tuvo la intención de que se convirtiera en una obra de arte pública?».
Qué no decir: «¿Qué narices hace eso en una galería?».
La persistencia de la memoria (Dalí, 1931)
¿Qué estoy viendo? La obra maestra de Dalí de los años 30 es una visión surrealista de relojes que se derriten, insectos que trepan y rostros humanos monstruosos. Alucinatoria, pesadillesca y efímera, ha sido parodiada muchas veces a lo largo de los años, incluyendo —en un giro adecuadamente surrealista— por Los Simpson y el Monstruo de las Galletas. El propio Dalí describió el paisaje viscoso y derretido como un «camembert del tiempo».
¿Por qué es tan importante? Es lo más parecido a una destilación absoluta del surrealismo que podrás encontrar, donde los detalles hiperprecisos de Dalí y las imágenes absurdas se combinan para hacer que una escena imposiblemente surrealista parezca... casi real.
¿Dónde la encuentro? Está en la colección permanente de piezas surrealistas de la Galería 517 a la que, de forma bastante absurda, puedes entrar saliendo de la Galería 505 y pasando por la 506. Dato extra: La persistencia de la memoria forma parte de la colección del MoMA desde 1934, apenas tres años después de que Dalí la pintara.
Qué decir: «Dalí cultivaba alucinaciones psicóticas inducidas para crear su arte en esta época. ¿Se nota?».
Qué no decir: «Mmmm... camembert. ¿Es hora de comer?».
Los nenúfares (Monet, 1914-26)
Los nenúfares (Monet, 1914-26)
¿Qué estoy viendo? Una gran superficie envolvente de nenúfares, ondas y nubes reflejadas sin bordes definidos ni una línea de horizonte discernible; las pinceladas flotan y se disuelven, permitiendo que tus ojos deambulen. El monumental tríptico de murales de nenúfares de la última etapa de Monet se exhibe en su propia galería dedicada, para que quien lo observe pueda sumergirse por completo en su maravilla acuática.
¿Por qué es tan importante? Monumentales tanto en tamaño como en impacto, los murales inmersivos de Los nenúfares de Monet rozaban lo abstracto, tendiendo un puente entre los impresionistas y los expresionistas abstractos de Nueva York de las décadas de 1940 y 1950. Monet pintó estos paneles en su jardín de Giverny, reelaborándolos constantemente en sus últimos años a medida que su pérdida de visión alteraba su percepción del color y la luz.
¿Dónde lo encuentro? Pasa por el pasillo que da al Terrace Café y al Midtown de Manhattan y sigue las señales hacia el David Geffen Wing y la Galería 515, presidida tan elegantemente por Los nenúfares de Monet.
Qué decir: «Se dice que la pérdida de visión de Monet, debido a las cataratas, fue la responsable del carácter más abstracto de obras como esta».
Qué no decir: «Creo que unas cuantas ranas bien situadas habrían dado vida a esta escena».
Autorretrato con pelo corto (Kahlo, 1940)
¿Qué estoy viendo? La clave está en el título. Se trata de un autorretrato de Frida Kahlo inmediatamente después de un corte de pelo especialmente drástico. La representa como la mujer independiente definitiva, dejando de lado sus vestidos habitualmente más femeninos por un aspecto más andrógino —un guiño a su propia bisexualidad— y mirando directamente al alma del espectador, con las tijeras y los mechones cortados en la mano.
¿Por qué es tan importante? De tamaño pequeño pero de gran impacto, el cuadro de Kahlo se terminó poco después de su separación de su marido Diego Rivera. Es el clásico gesto de empoderamiento tras una ruptura: traje de talla grande, nuevo peinado, mirada de acero y mechones cortados esparcidos por el suelo.
¿Dónde lo encuentro? Retrocede pasando el Terrace Café y dirígete a la Galería 521 en la esquina.
Qué decir: «Mira que si te quise, fue por el pelo; ahora que estás pelona, ya no te quiero». Esta es la letra de la canción mexicana que aparece en la parte superior del cuadro. Dilo con suficiente convicción y tus acompañantes pensarán que tienes alma de poeta.
Qué no decir: «No me gusta cómo me mira con esas tijeras en la mano».
One: Number 31 (Pollock, 1950)
One: Number 31 (Pollock, 1950)
¿Qué estoy viendo? Esto es expresionismo abstracto a gran escala. Una de las obras de goteo más grandes de Jackson Pollock, para ser exactos. Estamos ante un campo de gotas y chorros de arriba abajo en tonos negros, blancos y tierra, superpuestos para crear una red densa y vibrante.
¿Por qué es tan importante? Primero: Number 31 es "action painting" a toda máquina; una representación tan pura de la energía de Pollock y de su afirmación (que su obra no tenía principio ni fin) como puedas encontrar. Casi se puede sentir el movimiento del artista sobre el lienzo mientras los ojos siguen las gotas y los garabatos, buscando nuevos detalles en cada centímetro de la pintura. Pero, ¿qué simboliza? Pollock numeraba sus obras en lugar de ponerles nombre, prefiriendo dejar la interpretación en manos del espectador.
¿Dónde la encuentro? Vuelve a las escaleras mecánicas y baja un nivel hasta la planta 4. Dirígete a la sala 401, donde no tiene pérdida.
Qué decir: «¿Sabías que su verdadero nombre de pila era Paul? Paul Pollock no suena igual de bien, ¿verdad?».
Qué no decir: «Parece que alguien haya lanzado un bote de pintura contra la pared».
Sun Mad (Hernández, 1982)
Sun Mad (Hernández, 1982)
¿Qué estoy viendo? Esta serigrafía de Ester Hernández reinventa un saludable logotipo de supermercado (la dulce chica de las pasas Sun-Maid) como un esqueleto que sonríe alegremente. El texto, sobre un fondo nítido de colores primarios llamativos, refuerza el mensaje: «Cultivadas de forma no natural con insecticidas, acaricidas, herbicidas y fungicidas».
¿Por qué es tan importante? La mordaz sátira de Hernández sobre las malas condiciones laborales y el uso de pesticidas en la agroindustria de California es puro arte de protesta, y se remonta a sus orígenes en los años 60 como activista en el Movimiento Artístico Chicano. Es una imagen impactante, sin duda.
¿Dónde la encuentro? Sala 415. Sigue las salas en orden hasta la 405; aquí, gira inmediatamente a la izquierda por la 406 para llegar a la 415.
Qué decir: «¿Sabías que Hernández retomó este tema en grabados posteriores, como Sun Raid de 2008, actualizando su crítica para protestar contra las nuevas políticas gubernamentales?».
Qué no decir: «Daría lo que fuera por una pasa ahora mismo».
Campbell’s Soup Cans (Warhol, 1962)
Campbell’s Soup Cans (Warhol, 1962)
¿Qué estoy viendo? El icónico comentario de Warhol sobre la cultura de consumo y la producción en serie representa los 32 sabores individuales de la sopa Campbell's, cada uno (crema de champiñones, minestrone, crema de almejas, etc.) en un lienzo independiente. La disposición, en una cuadrícula repetitiva y nítida de color rojo, blanco y plateado, se parece a lo que podrías encontrar en el estante de un supermercado.
¿Por qué es tan importante? Las latas de sopa de Warhol supusieron un momento de ruptura para el Pop Art, arrebatando el arte a las élites. El formato en serie, las imágenes comerciales y la presentación impasible cuestionaron la originalidad y el gusto en un solo conjunto, y dinamitaron las ideas establecidas sobre lo que podía y no podía presentarse como arte.
¿Dónde la encuentro? Haz cola para entrar en la sala 412. Sal de la 415 y recorre el pasillo pasando por la 414 y ya estarás allí.
Qué decir: «El genio de Warhol (la capacidad de convertir objetos cotidianos de consumo en obras de arte populares y duraderas) sigue siendo insuperable».
Qué no decir: «No me gusta la sopa de sobre».
Escalera de la Bauhaus (Schlemmer, 1932)
Escalera de la Bauhaus (Schlemmer, 1932)
¿Qué estoy viendo? Esta pintura de 1932 de Oskar Schlemmer representa figuras modulares estilizadas que se mueven a través de un espacio geométrico austero y estático en la escuela de Dessau donde él enseñaba: la escalera de la Bauhaus que da título a la obra. La diagonal de los peldaños dirige la mirada hacia arriba y la escena resulta animada y social.
¿Por qué es tan importante? Aquí, Schlemmer destila los ideales fundamentales de la Bauhaus (claridad, ritmo y la relación del cuerpo humano con el espacio circundante) en un acto de desafío ante la persecución nazi que sufrían los artistas y estudiantes de la escuela Bauhaus en aquel momento. El cuadro es a la vez un tributo y una cápsula del tiempo.
¿Dónde se encuentra? Baja de nuevo por las escaleras mecánicas hasta la planta 1 y busca la propia Escalera de la Bauhaus del MoMA. Esta estimulante pieza de Schlemmer cuelga a mitad de camino.
Qué decir: «Schlemmer pintó esto un año antes de que los nazis cerraran la escuela de la Bauhaus».
Qué no decir: «¿Podemos subir en el ascensor?».
Vaya, ha sido genial, pero me muero de hambre. ¿Dónde puedo comer?
El MoMA está en Midtown, así que no faltan opciones para almorzar a pocos minutos a pie. O, si quieres alargar la fiesta del arte, puedes quedarte en el propio museo. Aquí tienes nuestra selección de los mejores lugares.
- The Modern. Con vistas al Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller desde la planta 1 del MoMA, este elegante restaurante de alta cocina sirve platos que no desentonarían en una galería. Sus emblemáticos menús Impressions y Abstractions se apuntan a la tendencia de la «comida como arte moderno».
- Le Bernardin. Pescado y marisco refinados con un precio a la altura en uno de los restaurantes más célebres de Nueva York, a unos cinco minutos a pie del MoMA. El atún con foie gras y la espuma de langosta con trufa del Perigord son platos por los que vale la pena vivir.
- Benoit NYC. Aires de bistró francés de la mano de Alain Ducasse. Imagina una sopa de cebolla dorada, pollo asado con su jugo y un elegante salón de latón y azulejos con un animado ambiente a la hora del almuerzo.
- Burger Joint. Encontrarás esta discreta leyenda de Midtown escondida tras una cortina en el Thompson Central Park, a 10 minutos del MoMA. Pide una hamburguesa con queso, patatas fritas y un batido, y disfruta de su encanto decorado con grafitis y luces de neón.
- Yakitori Totto. Deliciosas brochetas a la brasa a un par de manzanas al oeste del MoMA. Ve por el «chicken oyster», el tsukune y la cerveza bien fría, y quédate por el bullicio al estilo de Tokio.
¿Qué más puedo hacer por la zona?
¿Qué más puedo hacer por la zona?
Como decíamos, esto es Midtown, así que sí, tienes la Gran Manzana a tus pies. ¿Tienes pensado visitar un montón de atracciones de primer nivel durante tu estancia? Hazte con un New York Pass para ahorrar en las entradas generales de los lugares más emblemáticos de Manhattan y alrededores. Hablamos del observatorio del Empire State Building, Madame Tussauds, Top of the Rock, RiseNY, el alquiler de bicicletas en Central Park, el Big Bus y los cruceros turísticos de Circle Line, por nombrar solo algunos.
¿Algún consejo final para mi visita al MoMA?
- Las mañanas de los días laborables suelen ser más tranquilas que, por ejemplo, las tardes de los fines de semana. Si puedes, ve a la hora de apertura. Puede que sea tu única oportunidad de pasar unos minutos a solas con obras tan populares como La noche estrellada o Los nenúfares de Monet.
- A veces, las obras se mueven de sitio para exposiciones específicas y otros eventos. Consulta la aplicación del MoMA o la guía diaria de la galería para conocer las ubicaciones más recientes.
- Por lo general, se permite fotografiar la mayoría de las obras del museo, pero sin flash. Hay carteles en los lugares donde está totalmente prohibido. En caso de duda, pregunta al personal de sala.
¿Te ha gustado este pequeño trozo de Nueva York?
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