Das prächtige MoMA in New York beherbergt genug moderne Meisterwerke, um selbst Gelegenheitskunstliebhaber stunden- oder sogar tagelang zu begeistern. Wir sprechen hier von etwa 200.000 Gemälden, Drucken, Fotos, Skulpturen und anderen Werken aus Design und Architektur, die den Postimpressionismus, Kubismus, Surrealismus, abstrakten Expressionismus, die Pop-Art und vieles mehr abdecken. Aber was sollten Sie sich ansehen, wenn Sie nur ein oder zwei Stunden Zeit haben? Begleiten Sie uns auf unserer Kurzreise zu den beliebtesten Attraktionen des Museums – inklusive Informationen dazu, wo Sie diese finden und wie Sie am besten von einem spektakulären Werk zum nächsten gelangen …
Alles klar, zeigen Sie mir die größten Klassiker …
Die Sternennacht (Van Gogh, 1889)
Die Sternennacht (Van Gogh, 1889)
Was sehe ich hier? Nur eines der bedeutendsten und einflussreichsten Werke der modernen Kunst, die es gibt. „Die Sternennacht“ zeigt van Goghs Blick aus der Nervenheilanstalt in Saint-Rémy-de-Provence kurz vor Sonnenaufgang.
Warum ist es so besonders? Dichte, dramatische Pinselstriche, ein wirbelnder Himmel und intensive Farben verbinden sich zu einer faszinierenden Wirkung. Es ist das Gemälde, das Millionen von Postern, Drucken, Tassen und Schlüsselanhängern inspiriert hat, aber nichts geht darüber, direkt vor dem Original zu stehen.
Wo finde ich es? Gehen Sie direkt in die 5. Etage und beginnen Sie Ihren Rundgang mit dieser himmlischen Schönheit in Galerie 501.
Was man sagen sollte: „Diese dunklen Töne und wirbelnden Pinselstriche fangen den damaligen unruhigen Gemütszustand des Künstlers wirklich gut ein.“
Was man nicht sagen sollte: „Das hätte ich in einer halben Stunde mit Microsoft Paint hingekriegt.“
Les Demoiselles d’Avignon (Picasso, 1907)
Was sehe ich hier? Ein Klassiker des frühen Picasso. Dieses große Ölgemälde – „Die jungen Damen von Avignon“ – trug ursprünglich den Titel „Das Bordell von Avignon“ und zeigt fünf nackte Prostituierte mit konfrontierenden, maskenhaften Gesichtern in einem typisch gebrochenen, kantigen Raum. Es ist heute schon eine Herausforderung, es zu betrachten, stellen Sie sich also erst die Wirkung im Jahr 1907 vor. Spoiler: Seine Freunde hassten es, und es wurde erst fast ein Jahrzehnt später öffentlich ausgestellt.
Warum ist es so besonders? Dieses Werk war ein Wendepunkt in der modernen Kunst. Picassos kühne Form und Struktur setzten der klassischen Perspektive der alten Schule einen sprichwörtlichen Vorschlaghammer an und ebneten den Weg für den Kubismus und so ziemlich alles andere, was danach kam.
Wo finde ich es? Ganz einfach: direkt neben der „Sternennacht“ in Galerie 502.
Was man sagen sollte: „In einigen Gesichtern der Frauen, vor allem bei den beiden auf der rechten Seite, lassen sich bereits frühe Anzeichen von Picassos charakteristischem kubistischem Stil erkennen.“
Was man nicht sagen sollte: „Hoppla!“
Fahrrad-Rad (Duchamp, 1913)
Fahrrad-Rad (Duchamp, 1913)
Was sehe ich hier? Marcel Duchamps provokantes „Fahrrad-Rad“ führt die uralte Frage „Aber ist das Kunst?“ zu ihrem logischen Schluss. Was Sie hier sehen, ist genau das, wonach es aussieht: ein Fahrradrad, das auf der Sitzfläche eines Hockers montiert ist. Oder doch nicht? Die Version, die Sie hier sehen, ist ein späterer Nachbau der verlorenen Versionen von 1913 und 1916–17, was an sich schon mit dem Begriff der Originalität in der Kunst spielt. Wer hätte gedacht, dass ein in einen Hocker gestecktes Rad so viele Fragen aufwerfen könnte?
Warum ist es so besonders? Das Fahrrad-Rad war eines von Duchamps ursprünglichen „Readymades“: gewöhnliche Alltagsgegenstände, die zu einem Zweck umfunktioniert wurden, der eigentlich nur im Auge des Betrachters existiert. Es gilt als das früheste Beispiel einer kinetischen Skulptur. Aber ist es Kunst? Es ist eine Frage, die das Gespräch sicher noch lange in Schwung hält, nachdem Sie bereits zum nächsten Exponat weitergegangen sind.
Wo finde ich es? Nicht allzu weit entfernt von Picassos Damen aus Avignon, in Galerie 505.
Was man sagen sollte: „Wussten Sie, dass Duchamp dies zu seinem eigenen Vergnügen gebaut hat und nie beabsichtigte, es zu einem öffentlichen Kunstwerk zu machen?“
Was man nicht sagen sollte: „Was zum Teufel hat das Ding in einer Galerie zu suchen?“
Die Beständigkeit der Erinnerung (Dalí, 1931)
Was sehe ich hier? Dalís Meisterwerk aus den 1930er Jahren ist eine surrealistische Vision von schmelzenden Uhren, krabbelnden Insekten und monströsen menschlichen Gesichtern. Halluzinatorisch, albtraumhaft und vergänglich wurde es im Laufe der Jahre vielfach parodiert, unter anderem – in einer passend surrealen Wendung – von den Simpsons und dem Krümelmonster. Dalí selbst beschrieb die zerfließende Landschaft als einen „Camembert der Zeit“.
Was ist das Besondere daran? Es ist so nah an einer absoluten Essenz des Surrealismus, wie man sie nur finden kann. Dalís hyperpräzise Details und seine absurden Bildmotive verbinden sich zu einer unmöglich surrealen Szene, die fast... real wirkt.
Wo finde ich es? Es befindet sich in der ständigen Sammlung surrealistischer Werke in Galerie 517, die Sie – absurderweise – betreten können, indem Sie Galerie 505 verlassen und durch 506 gehen. Zusatzfakt: Die Beständigkeit der Erinnerung ist seit 1934 Teil der MoMA-Sammlung, nur drei Jahre nachdem Dalí es gemalt hatte.
Was man sagen sollte: „Dalí kultivierte zu dieser Zeit selbstinduzierte psychotische Halluzinationen, um seine Kunst zu erschaffen. Merkt man das?“
Was man nicht sagen sollte: „Mmmm... Camembert. Ist es schon Zeit für das Mittagessen?“
Seerosen (Monet, 1914–26)
Seerosen (Monet, 1914–26)
Was sehe ich hier? Eine große, alles einhüllende Oberfläche aus Seerosen, Wellen und gespiegelten Wolken ohne scharfe Kanten oder erkennbare Horizontlinie. Die Pinselstriche schweben und lösen sich auf, sodass die Augen des Betrachters wandern können. Monets monumentales Triptychon aus Wandbildern seiner späten Seerosen-Phase wird in einer eigenen Galerie ausgestellt, damit die Gäste voll und ganz in dieses wässrige Wunder eintauchen können.
Was ist das Besondere daran? Sowohl in ihrer Größe als auch in ihrer Wirkung waren Monets immersive Seerosen-Wandbilder fast abstrakt und schlugen die Brücke zwischen den Impressionisten und den New Yorker Abstrakten Expressionisten der 1940er und 50er Jahre. Monet malte diese Tafeln in seinem Garten in Giverny und überarbeitete sie in seinen späteren Jahren ständig, da seine nachlassende Sehkraft seine Wahrnehmung von Farbe und Licht veränderte.
Wo finde ich es? Gehen Sie durch den Korridor mit Blick auf das Terrace Café und Midtown Manhattan und folgen Sie der Beschilderung zum David Geffen Wing und zur Galerie 515, in der Monets Seerosen so elegant thronen.
Was man sagen sollte: „Es heißt, dass Monets nachlassende Sehkraft aufgrund des Grauen Stars für die abstraktere Natur von Werken wie diesem verantwortlich war.“
Was man nicht sagen sollte: „Ich glaube, ein paar gut platzierte Frösche hätten diese Szene erst so richtig zum Leben erweckt.“
Selbstbildnis mit abgeschnittenem Haar (Kahlo, 1940)
Was sehe ich hier? Der Titel verrät es bereits. Dies ist ein Selbstporträt von Frida Kahlo unmittelbar nach einem besonders radikalen Haarschnitt. Es zeigt sie als die ultimative unabhängige Frau, die auf ihre normalerweise feminineren Kleider zugunsten eines androgynen Looks verzichtet – eine Anspielung auf ihre eigene Bisexualität. Mit der Schere und den abgeschnittenen Locken in der Hand starrt sie den Betrachtenden direkt in die Seele.
Was ist das Besondere daran? Klein im Format, aber groß in der Wirkung: Kahlos Gemälde entstand kurz nach der Trennung von ihrem Ehemann Diego Rivera. Es ist die klassische Demonstration von Stärke nach einer Trennung: übergroßer Anzug, neue Frisur, stählerner Blick und auf dem Boden verstreute Haare.
Wo finde ich es? Gehen Sie am Terrace Café vorbei zurück und halten Sie sich in Richtung Galerie 521 in der Ecke.
Was man sagen sollte: „Sieh mal, wenn ich dich liebte, dann um deiner Haare willen; jetzt, da du keine Haare mehr hast, liebe ich dich nicht mehr.“ Dies ist eine freie Paraphrase des mexikanischen Liedtextes am oberen Rand des Gemäldes. Wenn Sie das mit genügend Überzeugung vortragen, halten Ihre Begleitpersonen Sie vielleicht für echte Lyrik-Profis.
Was man nicht sagen sollte: „Mir gefällt nicht, wie sie mich mit dieser Schere in der Hand ansieht.“
One: Number 31 (Pollock, 1950)
One: Number 31 (Pollock, 1950)
Was sehe ich hier? Das ist Abstrakter Expressionismus im großen Stil. Um genau zu sein, eines der größten Werke von Jackson Pollock im Drip-Painting-Stil. Wir sprechen hier von einem raumhohen Feld aus Tropfen und Güssen in Schwarz, Weiß und Erdtönen, die übereinandergeschichtet wurden, um ein dichtes, pulsierendes Netz zu erzeugen.
Warum ist das so bedeutend? Erstens: Number 31 ist Action Painting in Reinform; eine so unmittelbare Darstellung von Pollocks Energie und seinem Anspruch – dass sein Werk weder Anfang noch Ende hat – wie man sie nur finden kann. Man kann die Bewegung des Künstlers über die Leinwand fast spüren, während die Augen den Tropfen und Schnörkeln folgen und in jedem Quadratzentimeter des Gemäldes neue Details entdecken. Aber was symbolisiert es? Pollock nummerierte seine Werke, anstatt ihnen Namen zu geben, da er die Interpretation lieber dem Betrachter überließ.
Wo finde ich es? Gehen Sie zurück zu den Rolltreppen und eine Etage tiefer in den 4. Stock. Suchen Sie die Galerie 401 auf, wo Sie dieses Werk unmöglich übersehen können.
Was Sie sagen sollten: „Wussten Sie, dass sein eigentlicher Vorname Paul war? Paul Pollock klingt irgendwie nicht ganz so gut, oder?“
Was Sie nicht sagen sollten: „Das sieht aus, als hätte jemand einen Farbeimer gegen die Wand geworfen.“
Sun Mad (Hernández, 1982)
Sun Mad (Hernández, 1982)
Was sehe ich hier? Der Siebdruck von Ester Hernández interpretiert ein vertrautes Logo aus der Lebensmittelabteilung (das süße Sun-Maid-Rosinenmädchen) als freudig grinsendes Skelett neu. Der Text vor einem klaren Hintergrund aus kräftigen Primärfarben bringt es auf den Punkt: „Unnatürlich angebaut mit Insektiziden, Mitiziden, Herbiziden, Fungiziden.“
Warum ist das so bedeutend? Hernández' bissige Satire auf schlechte Arbeitsbedingungen und den Einsatz von Pestiziden in der kalifornischen Agrarindustrie ist pure Protestkunst. Sie greift auf ihre Ursprünge als Aktivistin in der Chicano-Kunstbewegung der 1960er Jahre zurück. Es ist zweifellos ein fesselndes Bild.
Wo finde ich es? Galerie 415. Folgen Sie den Galerien nacheinander bis zur 405; biegen Sie hier sofort links durch die 406 ab, um die 415 zu erreichen.
Was Sie sagen sollten: „Wussten Sie, dass Hernández dieses Thema in späteren Drucken wie Sun Raid von 2008 erneut aufgriff und ihre Kritik aktualisierte, um gegen neue Regierungsgeregelungen zu protestieren?“
Was Sie nicht sagen sollten: „Ich würde jetzt alles für eine Rosine geben.“
Campbell’s Soup Cans (Warhol, 1962)
Campbell’s Soup Cans (Warhol, 1962)
Was sehe ich hier? Warhols ikonischer Kommentar zur Konsumkultur und Massenproduktion zeigt alle 32 einzelnen Geschmacksrichtungen von Campbell's Soup, jede einzelne – Pilzcremesuppe, Minestrone, Clam Chowder und so weiter – auf einer separaten Leinwand. Die Anordnung in einem klaren, repetitiven Raster aus Rot, Weiß und Silber sieht genau so aus, wie man es im Regal eines Supermarktes finden würde.
Warum ist das so bedeutend? Warhols Suppendosen stellten einen Durchbruch für die Pop-Art dar und entrissen die Kunst den Eliten. Das serielle Format, die kommerzielle Bildsprache und die sachliche Präsentation stellten Originalität und Geschmack in einem kompakten Paket infrage und rüttelten an der herkömmlichen Meinung darüber, was als Kunst präsentiert werden darf und was nicht.
Wo finde ich es? Stellen Sie sich in die „Suppenschlange“ vor Galerie 412. Verlassen Sie die 415 und gehen Sie den Flur entlang an der 414 vorbei, dann sind Sie da.
Was Sie sagen sollten: „Warhols Genie – die Fähigkeit, alltägliche Konsumgüter in populäre und zeitlose Kunstwerke zu verwandeln – bleibt unübertroffen.“
Was Sie nicht sagen sollten: „Ich mag keine Dosensuppen.“
Bauhaustreppe (Schlemmer, 1932)
Bauhaustreppe (Schlemmer, 1932)
Was sehe ich hier? Oskar Schlemmers Gemälde aus dem Jahr 1932 zeigt stilisierte, modulare Figuren, die sich durch einen strengen und statischen geometrischen Raum in der Dessauer Schule bewegen, an der er lehrte – namentlich die im Titel genannte Bauhaustreppe. Die Diagonale der Treppe lenkt den Blick nach oben und die Szene wirkt lebendig und sozial.
Warum ist das so bedeutend? Hier destilliert Schlemmer die Kernideale des Bauhauses – Klarheit, Rhythmus und die Beziehung des menschlichen Körpers zum umgebenden Raum – zum Trotz der damaligen Verfolgung von Künstlern und Studenten der Bauhaus-Schule durch die Nationalsozialisten. Das Gemälde ist sowohl Tribut als auch Zeitkapsel.
Wo finde ich es? Nehmen Sie die Rolltreppen zurück nach unten in die 1. Etage und suchen Sie MoMAs ganz eigene Bauhaustreppe. Schlemmers zum Nachdenken anregendes Werk hängt auf halber Höhe.
Was Sie sagen können: „Schlemmer malte dies ein Jahr bevor die Nationalsozialisten die Bauhaus-Schule schlossen.“
Was Sie nicht sagen sollten: „Können wir stattdessen den Aufzug nehmen?“
Wow, das war großartig, aber jetzt bin ich hungrig. Wo kann ich etwas essen?
Das MoMA befindet sich in Midtown, daher mangelt es in wenigen Gehminuten Entfernung nicht an Möglichkeiten zum Mittagessen. Oder, wenn Sie die Kunstparty verlängern möchten, direkt im Museum selbst. Hier ist unsere Auswahl der besten Optionen.
- The Modern. Mit Blick auf den Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden in der 1. Etage des MoMA serviert dieses elegante Fine-Dining-Restaurant Gerichte, die auch in einer Galerie nicht fehl am Platz wirken würden. Die charakteristischen Menüs „Impressions“ und „Abstractions“ greifen das Thema „Essen als moderne Kunst“ voll auf.
- Le Bernardin. Erstklassiger Fisch und Meeresfrüchte zu entsprechenden Preisen in einem der gefeiertsten Restaurants von New York City, etwa fünf Minuten Fußweg vom MoMA entfernt. Der charakteristische Thunfisch mit Foie Gras und der Hummer-Schaum mit Périgord-Trüffel sind ein wahrer Genuss.
- Benoit NYC. Französisches Bistro-Flair von Alain Ducasse. Denken Sie an goldene Zwiebelsuppe, Brathähnchen mit Jus und einen schicken Raum aus Messing und Fliesen mit lebhaftem Mittagsandrang.
- Burger Joint. Diese unauffällige Midtown-Legende finden Sie versteckt hinter einem Vorhang im Thompson Central Park, 10 Minuten vom MoMA entfernt. Bestellen Sie einen Cheeseburger, Pommes und einen Shake und genießen Sie den kunstvoll neonbeleuchteten Charme mit seinen Graffiti-Wänden.
- Yakitori Totto. Köstliche, über Holzkohle gegrillte Spieße ein paar Blocks westlich vom MoMA. Kommen Sie für die Hühner-Oyster, Tsukune und eiskaltes Bier, und bleiben Sie für das geschäftige Treiben im Stil von Tokio.
Was kann ich sonst noch in der Nähe unternehmen?
Was kann ich sonst noch in der Nähe unternehmen?
Wie bereits erwähnt, befinden Sie sich hier in Midtown, sodass Ihnen der Big Apple quasi zu Füßen liegt. Planen Sie, während Ihres Aufenthalts eine ganze Reihe von erstklassigen Sehenswürdigkeiten zu besuchen? Sichern Sie sich einen New York Pass, um bei den Highlights in Manhattan und darüber hinaus gegenüber den regulären Eintrittspreisen zu sparen. Wir sprechen hier vom Empire State Building Observatory, Madame Tussauds, Top of the Rock, RiseNY, dem Fahrradverleih im Central Park, dem Big Bus und den Sightseeing-Kreuzfahrten der Circle Line, um nur einige zu nennen.
Haben Sie noch abschließende Tipps für meinen MoMA-Besuch?
- Vormittage an Wochentagen sind in der Regel ruhiger als beispielsweise Nachmittage am Wochenende. Wenn möglich, sollten Sie pünktlich zur Öffnungszeit dort sein. Dies ist vielleicht Ihre einzige Chance auf ein paar ruhige Minuten mit Highlights wie der „Sternennacht“ oder Monets „Seerosen“.
- Kunstwerke gehen manchmal für Sonderausstellungen auf Reisen. Informieren Sie sich in der MoMA-App oder im täglichen Galerie-Leitfaden über die aktuellen Standorte.
- Das Fotografieren ist bei den meisten Werken im Museum erlaubt, jedoch ohne Blitz. An Stellen, an denen es ganz verboten ist, sind entsprechende Schilder angebracht. Fragen Sie im Zweifelsfall das Museumspersonal.
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